Ver el código de «Música»

[[Archivo:Balen Minerva among the Muses (detail).jpg|miniaturadeimagen|[[Atenea]] ''(Minerva)'' y las [[Euterpe|Nueve Musas]] inspiradoras. De la palabra «[[musa]]» proviene «música». ]]
{{Wikipedia grabada|Es-Música-article.ogg|27 de septiembre de 2018}}
La '''música''' (del [[Idioma griego|griego]]: ''μουσική'' [''τέχνη''] - ''mousikē'' [''téchnē''], «el arte de las [[Musa|musas]]») es, según la definición tradicional del término, el [[arte]] de crear y organizar [[sonido]]s y [[silencio (sonido)|silencios]] respetando los principios fundamentales de la [[melodía]], la [[armonía]] y el [[ritmo]], mediante la intervención de complejos procesos psicoanímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la [[Antigua Grecia]], en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

La música, como toda [[manifestación]] artística, es un producto cultural con múltiples finalidades, entre otras, la de suscitar una experiencia estética en el oyente, la de expresar [[sentimiento]]s, [[Emoción|emociones]], circunstancias, [[pensamiento]]s o [[idea]]s, y cada vez más, cumplir una importante función terapéutica a través de la [[musicoterapia]].

La música cumple una función de vital importancia en el desarrollo cognitivo del ser humano. Está relacionada con el pensamiento lógico matemático, la adquisición del lenguaje, el desarrollo [[Psicomotricidad|psicomotriz]], las [[Relación interpersonal|relaciones interpersonales]], el aprendizaje de lenguas no nativas y a potenciar la inteligencia emocional, entre otros. Por este motivo, la música debe estar presente en cualquier plan educativo moderno y ser reconocida como una [[disciplina]] imprescindible dentro de la enseñanza obligatoria.

La música es un [[estímulo]] sonoro que afecta al campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir variadas funciones ([[entretenimiento]], [[comunicación]], [[Ambientación sonora|ambientación]], [[diversión]], etc.). En muchas culturas, la música es una parte importante del modo de vida de la gente, ya que desempeña un papel fundamental en [[Ritual|rituales religiosos]], en las ceremonias de [[rito de paso]] (por ejemplo, la graduación y el matrimonio), en las actividades sociales (por ejemplo, en el [[club de baile|baile]]) y en las actividades culturales que van desde el canto aficionado en el [[karaoke]] hasta tocar en una banda ''amateur'' de [[funk]] o cantar en un [[coro]] comunitario. La gente puede hacer música por afición, como un adolescente que toca el chelo en una orquesta juvenil, o trabajar como músico o cantante profesional. La [[industria musical]] incluye a las personas que crean nuevas canciones y piezas musicales (como los [[cantautor]]es y los [[compositor]]es), a las personas que interpretan música (que incluyen a los músicos de [[orquesta]], de bandas de [[jazz]] y de bandas de rock, a los cantantes y a los [[Director de orquesta|directores de orquesta]]), a las personas que graban música ([[Productor discográfico|productores musicales]] e [[Ingeniería de sonido|ingenieros de sonido]]), a las personas que organizan giras de conciertos y a las personas que venden grabaciones, [[partitura]]s y partituras a los clientes. Incluso una vez que se ha interpretado una canción o pieza, la [[crítica musical]], el [[periodismo musical]] y la [[musicología]] pueden valorar y evaluar la pieza y su interpretación.

== Etimología ==

[[Archivo:Muses sarcophagus Louvre MR880.jpg|miniaturadeimagen|En la [[mitología griega]], las nueve musas fueron la inspiración de muchos esfuerzos creativos, incluidas las artes.]]
La palabra «música» deriva del [[Idioma griego| griego]] ''μουσική'' (mousike; «(arte) de las [[musa]]s»)<ref name="perseus.tufts.edu">{{cita web | url=https://www.perseus.tufts.edu/cgi-bin/ptext?doc=Perseus%3Atext%3A1999.04.0057%3Aentry%3D%2368891 | título=Mousike, Henry George Liddell, Robert Scott, ''A Greek–English Lexicon'', at Perseus | obra=perseus.tufts.edu | fechaacceso=27 de octubre de 2015 | idioma=inglés}}</ref> En la [[mitología griega]], las nueve musas eran las diosas que inspiraban la [[literatura]], la [[ciencia]] y las [[arte]]s y eran la fuente del conocimiento plasmado en la [[poesía]], los cantos y los mitos de la cultura griega. 

Según el ''Diccionario etimológico en línea'':

{{cita|El término «música» deriva de «''musike'', de mediados del {{siglo|XIII|0|s|0}}, del [[francés antiguo]] ''musique'' ({{siglo|XII|0|s|0}}) y directamente del [[latín]] ''musica'' "el arte de la música", que también incluye la poesía (también la fuente del español ''música'', italiano ''musica'', alto alemán antiguo ''mosica'', alemán ''Musik'', holandés ''muziek'', danés ''musik'')». Se deriva del «...griego ''mousike'' (''techne'') "(arte) de las musas", del femenino de ''mousikos'' «perteneciente a las musas», de Mousa «Musa».}}

La ortografía moderna data de la década de 1630. En la Grecia clásica, el término «música» se refiere a cualquier arte en el que las musas presidían, pero especialmente la música y la [[poesía lírica]].<ref name="etymonline">{{cita web | url=http://www.etymonline.com/index.php?term=music | título=Music | editorial=Douglas Harper | sitioweb=[[Online Etymology Dictionary]] | fechaacceso=27 de octubre de 2015 | idioma=inglés}}</ref>

== Definición ==

[[Archivo:Op27 1 seg mov.png|miniaturadeimagen|La música académica occidental ha desarrollado un método de escritura basado en dos ejes: el horizontal representa el transcurso del tiempo, y el vertical la altura del sonido; la duración de cada sonido está dada por la forma de las [[Figura musical|figuras musicales]].]]
Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.

Una definición bastante amplia determina que música es ''sonoridad organizada'' (según una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar «música»— se pueden percibir ciertos patrones del «flujo sonoro» en función de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales). La definición que se atribuye a [[Edgard Varese]] de música como sonido organizado,<ref>{{cita publicación | apellido={{versalita|Goldman}} | nombre=Richard Franko | año=1961 | título=Varèse: Ionisation; Density 21.5; Intégrales; Octandre; Hyperprism; Poème Electronique. Instrumentalists, cond. Robert Craft. Columbia MS 6146 (stereo) | publicación=Musical Quarterly | volumen=47 | número=1 | fecha=Enero | páginas=133-134}}</ref> y también la de la [[Enciclopedia Británica]] que en su 15a edición describe que «aunque no haya sonidos que no puedan ser descritos como inherentmente no-musicales, en cada cultura los músicos  han tendido a  restringir la gama de sonidos que estaban dispuestos a admitir». [[John Blacking]] añadió este detalle importante a la definición de Varèse: «la música es sonido organizado humanamente».{{harvnp|Blacking|1974|p=99}}

Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que utiliza [[sonido]]s, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. 
En cuanto a la función «estética», se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un «[[jingle]]» publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función «estética» presupone una idea de la música (y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo [[Immanuel Kant]].

[[Jean-Jacques Rousseau]], autor de las voces musicales en ''[[L'Encyclopédie]]'' de [[Diderot]], después recogidas en su ''Dictionnaire de la Musique'',<ref>{{cita enciclopedia | título=Dictionnaire de la Musique | lugar=París | editorial=Duchesne | año=1768}}</ref> la definió como el «arte de combinar los sonidos de una manera agradable al oído».<ref>{{cita enciclopedia | enlaceautor=Jean-Jacques Rousseau | apellido={{versalita|Rousseau}} | nombre=Jean-Jacques | título=Diccionario de Música | lugar=Madrid | editorial=Akal | año=2007 | página=281-288}}</ref>

Según el compositor [[Claude Debussy]], la música es «un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor».

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no se detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones «bien hechas» y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.

Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo alemán [[Johann Wolfgang von Goethe]] cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura como «música congelada». La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable.

== Parámetros del sonido ==

{{VT|Nota musical}}
[[Archivo:Notas musicales teclado piano.gif|thumb|279px|Distribución de las [[notas musicales]] en el teclado de un [[piano]]. Cada nota representa una [[frecuencia]] de sonido distinta.]]
El [[sonido]] es la sensación percibida por el [[oído]] al recibir las variaciones de presión generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio que los envuelve, que generalmente es el [[aire]] de la [[atmósfera]]. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da en la [[naturaleza]].

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:
* La [[altura musical|altura]] es el resultado de la [[frecuencia]] que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de [[hercio]]s (Hz) que se emiten. De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como [[sonido grave|graves]] y [[sonido agudo|agudos]]. Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La [[longitud de onda]] es la distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante. <ref>{{cita libro | apellido={{versalita|Nettl}} | nombre=B | año=1985 | título=Música folklórica y tradicional de los continentes occidentales | lugar=Madrid | editorial=Alianza | página=33}}</ref>
* La [[duración musical|duración]] corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración del sonido está relacionada con el [[ritmo]]. La duración viene representada en la onda por los segundos que esta contenga. 
* La [[intensidad musical|intensidad]] es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La intensidad viene representada en una onda por la amplitud. 
* El [[timbre musical|timbre]] es la cualidad que permite distinguir los diferentes [[instrumento musical|instrumentos]] o [[voz (música)|voces]] a pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos que escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y [[armónico]]s), pero que nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de la onda que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se representa con una [[onda sinusoidal]], mientras que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que representan a cada una de las senoides correspondientes a cada sobretono, y su altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.

== Elementos de la música ==

[[Archivo:Greek Hypophrygian enharmonic genus.png|miniaturadeimagen|Un ejemplo de las [[Escala musical|escalas]] de la [[antigua Grecia]] es la octava hipofrigia de género [[Enarmonía|enarmónico]] (en ''mi''). Ya existía el concepto fundamental de [[octava]]. La [[Nota musical|nota]] varía según la [[armonía]] ''(αρμονία)'', transcritas como [[modos griegos]]. La [[polifonía]] y variedad de instrumentos [[aerófono]]s, [[cordófono]]s y [[membranófono]]s, han sido documentadas en infinidad de grabados y dibujos.]]
La música contiene dos elementos: el material acústico y la idea intelectual. Ambos no se hallan yuxtapuestos como forma y contenido, sino que se combinan, en la música, para formar una imagen unitaria. Para convertirse en vehículo de la idea intelectual, el material acústico experimenta una preparación pre-musical, mediante un proceso de selección y ordenamiento.{{harvnp|Michels|1985}}

La estructura del sonido, la escala de sonidos armónicos, exhibe ya un ordenamiento que la predestina para ser el vehículo de la intención intelectual. Con el fin de un entendimiento general previo, dentro del material acústico para la organización de la música, encontramos diversas clasificaciones, dentro de las cuales la más habitual en ambientes académicos es la que divide la música en melodía, armonía y ritmo.<ref>{{Cita web | url=http://dle.rae.es/?id=Q9MHl5m | título=Definición de música | obra=[[Real Academia Española|RAE]] | fechaacceso=26 de junio de 2021}}</ref> La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales). 
* La [[melodía]] es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. Los silencios también forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al «discurso melódico». El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina [[contrapunto]]. 
* La [[armonía]], bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el [[acorde]] o [[tríada (música)|tríada]], regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos. 
* El [[ritmo]], es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos. En la práctica se refiere a la [[acentuación (música)|acentuación]] del sonido y la distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra manera, su duración.
* La [[Articulación (música)|articulación]], refiere a cómo un sonido es ejecutado, así como la transición entre dos (o más) notas. Entre las variadas formas de articulación elaboradas a lo largo de la historia, destacan principalmente el ''[[legato]]'', el ''[[staccato]]'', el ''[[portato]]'', el ''[[tenuto]]'', el acento, el ''[[marcato]]'' y el [[Calderón (música)|calderón]].

Por otro lado, la idea intelectual (podemos incluir lo que hoy llamamos cerebro-cuerpo-mente) convierte el material acústico en arte, y así la música adquiere historia, vinculándose con el tiempo y haciéndose atemporal.

La incorporación de un material acústico ampliado en el {{siglo|XX|0|s|0}}, produjo a veces dificultades de información, por falta de un sistema válido de entendimiento previo, y es por eso que otros elementos se toman en cuenta a la hora de analizar y estudiar el fenómeno de la música, como son la forma, la instrumentación, la textura, etc. A partir de todos estos elementos, se originan nuevos principios de ordenamiento y posibilidades de composición.{{harvnp|Michels|1985}}

== Historia ==

{{AP|Historia de la música}}

=== Prehistoria ===

{{AP|Música en la Prehistoria}}
[[Archivo:Flûte paléolithique (musée national de Slovénie, Ljubljana) (9420310527).jpg|miniaturadeimagen|La [[Flauta de Divje Babe|flauta]] de hueso encontrada en [[Divje Babe]] (Eslovenia), con más de 40{{esd}}000 años de antigüedad.]]
La [[Música en la Prehistoria|música prehistórica]] sólo se puede teorizar sobre la base de los hallazgos de los sitios arqueológicos [[paleolítico]]s. A menudo se descubren [[flauta]]s talladas en huesos en los que se han perforado agujeros laterales; se cree que se soplaban en un extremo como el [[shakuhachi]] [[Japón|japonés]]. Se piensa que la [[flauta de Divje Babe]], tallada en el fémur de un oso de las cavernas, tiene al menos 40{{esd}}000 años. Se han recuperado instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de [[Instrumento de cuerda|instrumentos de cuerda]], como el [[ravanahatha]], de los yacimientos arqueológicos de la [[Cultura del valle del Indo|civilización del valle del Indo]].<ref>{{cita libro | apellido1={{versalita|Massey}} | nombre=Reginald | apellido2={{versalita|Massey}} | nombre2=Jamila | título=The Music of India | url=https://books.google.com/books?id=yySNDP9XVggC&pg=PA11 | año=1996 | editorial=Abhinav Publications | isbn=978-81-7017-332-8 | página=11 | idioma=inglés}}</ref> La [[India]] tiene una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo; las referencias a la [[Música clásica de India|música clásica india]] (''marga'') se encuentran en los [[Vedas]], antiguas escrituras de la tradición [[hindú]].<ref name="brown">{{cita publicación | apellido={{versalita|Brown}} | nombre=RE | año=1971 | título=India's Music | publicación=Readings in Ethnomusicology}}</ref> La colección más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos se encontró en [[China]] y data de entre el 7000 y el 6600 a.&nbsp;C.<ref name="wilkinson">{{cita libro | apellido={{versalita|Wilkinson}} | nombre=Endymion | enlaceautor=Endymion Wilkinson | título=Chinese history | editorial=Harvard University Asia Center | año=2000}}</ref> El «[[Canciones hurritas|Himno hurrita a Nikkal]]», que se encuentra en tablillas de arcilla que se remontan aproximadamente al 1400 a.&nbsp;C., es la obra musical escrita más antigua que se conserva.<ref>{{cita libro | apellido={{versalita|Stolba}} | nombre=K. Marie | título=The Development of Western Music: A History | edición=2ª | lugar=Madison | editorial=Brown & Benchmark Publishers | año=1995 | página=2}}</ref><ref>{{cita libro | apellido={{versalita|West}} | nombre=Martin Litchfield | artículo=The Babylonian Musical Notation and the Hurrian Melodic Texts | título=Music and Letters | volumen=75 | número=2 | fecha=Mayo de 1994 | páginas=161-179}}</ref>

=== Antiguo Egipto ===

{{AP|Música de Egipto}}
Los [[Antiguo Egipto|antiguos egipcios]] atribuyeron a uno de sus dioses, [[Thoth]], la invención de la música, y [[Osiris]], a su vez, lo utilizó como parte de su esfuerzo por civilizar el mundo. La evidencia material y representativa más antigua de los instrumentos musicales egipcios data del [[Periodo predinástico de Egipto|período predinástico]], pero la evidencia está atestiguada con mayor seguridad en el [[Imperio Antiguo de Egipto|Imperio Antiguo]] cuando se tocaron [[arpa]]s, flautas y [[clarinete]]s dobles.<ref>{{cita web | url=http://www.umich.edu/~kelseydb/Exhibits/MIRE/Introduction/AncientEgypt/AncientEgypt.html | título=Music of Ancient Egypt | nombre=Ann | apellido={{versalita|Arbor}} | obra=[[Kelsey Museum of Archaeology]], Universidad de Michigan | urlarchivo=https://web.archive.org/web/20151013114158/http://www.umich.edu/~kelseydb/Exhibits/MIRE/Introduction/AncientEgypt/AncientEgypt.html | fechaarchivo=2015-10-13 | idioma=inglés}}</ref> Durante el [[Imperio Medio de Egipto|Imperio Medio]] se agregaron [[Instrumento de percusión|instrumentos de percusión]], [[Lira (instrumento musical)|liras]] y [[laúd]]es a las orquestas. Los [[platillos]]<ref name="ucl">{{cita web | url=http://www.digitalegypt.ucl.ac.uk/metal/uc33268.html | título=UC 33268 | obra=digitalegypt.ucl.ac.uk | fechaacceso=27 de octubre de 2015 | idioma=inglés}}</ref> frecuentemente acompañaban a la música y [[danza]], como lo hacen todavía hoy en Egipto. La [[Música folclórica de Egipto|música folclórica egipcia]], incluidos los rituales tradicionales [[Sufismo|sufíes]] ''[[dhikr]]'', es el [[género musical]] contemporáneo más cercano a la [[Música de Egipto|música del antiguo Egipto]] y han conservado muchas de sus características, ritmos e instrumentos.<ref>{{cita publicación | apellido={{versalita|Hickmann}} | nombre=Hans | año=1957 | título=Un Zikr Dans le Mastaba de Debhen, Guîzah (IVème Dynastie) | publicación=Journal of the International Folk Music Council | volumen=9 | páginas=59-62 | doi=10.2307/834982 | jstor=834982 }}</ref><ref>{{cita publicación | apellido={{versalita|Hickmann}} | nombre=Hans | título=Rythme, mètre et mesure de la musique instrumentale et vocale des anciens Egyptiens | publicación=[[Acta Musicologica]] | volumen=32 | número=1 | fecha=Enero-marzo de 1960 | páginas=11-22 | doi=10.2307/931818 | jstor=931818}}</ref>

=== Culturas asiáticas ===

[[Archivo:Raja Ravi Varma, Galaxy of Musicians.jpg|miniaturadeimagen|izquierda|Mujeres indias vestidas con atuendos regionales tocando una variedad de instrumentos musicales populares en diferentes partes de la India.]]
{{AP|Categoría:Música de Asia}}
La [[Cultura del valle del Indo|música clásica india]] (''marga'') es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo.{{harvnp|Nidel|2005|p=219}} La [[Cultura del valle del Indo|civilización del valle del Indo]] tiene esculturas que muestran [[danza]]s{{harvnp|Kahn|2005|p=98}} e [[Instrumento musical|instrumentos musicales]] antiguos, como la [[flauta]] de siete agujeros. Se han recuperado varios tipos de [[Instrumento de cuerda|instrumentos de cuerda]] y [[tambor]]es de [[Harappa]] y [[Mohenjo-Daro]] mediante excavaciones realizadas por [[Mortimer Wheeler]].{{harvnp|Kahn|2005|p=11}} El [[Rigveda]] tiene elementos de la música india actual, con una [[notación musical]] para denotar la [[Métrica (música)|métrica]] y el modo de cantar.{{harvnp|Nidel|2005|p=10}} La música clásica india es [[Monofonía|monofónica]] y se basa en una sola línea melódica o ''[[raga]]'', organizada rítmicamente a través de ''[[Tala (música india)|talas]]''. ''[[Silappadhikaram]]'' de [[Ilango Adigal]] proporciona información sobre cómo se pueden formar nuevas escalas mediante el cambio modal de la [[Tónica (música)|tónica]] de una escala existente.<ref>{{cita libro | apellido={{versalita|Rajagopal}} | nombre=Geetha | título=Music rituals in the temples of South India, Volume 1 | año=2009 | editorial=D. K. Printworld | isbn=978-81-246-0538-7 | páginas=111-112 | url=https://books.google.com/books?id=SgVPAQAAIAAJ | idioma=inglés}}</ref> La música hindi actual fue influenciada por la [[música tradicional persa]] y por los mogoles [[Música de Afganistán|afganos]]. La [[música carnática]], popular en los estados del sur, es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. También hay muchas canciones que enfatizan el amor y otros temas sociales.

La [[Música de China|música clásica china]], el arte tradicional o la música de la corte de China, tiene una historia que se remonta a unos tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de notación musical, así como [[afinación]] y tono musical, instrumentos y estilos musicales o [[Género musical|géneros musicales]]. La música china es [[Escala pentatónica|pentatónica]]-[[Escala diatónica|diatónica]], con una escala de doce notas a una [[octava]] (5 + 7 = 12) al igual que la música de influencia europea.

=== Referencias en la Biblia ===

{{AP|Anexo:Música en la Biblia}}
[[Archivo:Paris_psaulter_gr139_fol1v.jpg|miniaturadeimagen|''[[David (rey bíblico)|David]] componiendo [[Libro de los salmos|salmos]]'', [[Salterio de París]], c. 960 ([[Constantinopla]]).]]
El conocimiento del período bíblico proviene principalmente de referencias literarias en la [[Biblia]] y fuentes posbíblicas. El historiador de religión y música Herbert Lockyer escribió que «la música, tanto vocal como instrumental, fue bien cultivada entre los [[Pueblo hebreo|hebreos]], los [[Cristianismo|cristianos]] del [[Nuevo Testamento]] y la iglesia cristiana a través de los siglos». Agrega que «una mirada al [[Antiguo Testamento]] revela cómo el pueblo antiguo de Dios se dedicó al estudio y la práctica de la música, que ocupa un lugar único en los libros históricos y proféticos, así como en el [[Salterio (libro de salmos)|Salterio]]».<ref name=Lockyer>{{cita libro | apellido={{versalita|Lockyer}} | nombre=Herbert | título=All the Music of the Bible | editorial=Hendrickson Publ. | año=2004 | isbn=9781565635319 | página=X}}</ref>

Los estudiosos de la música y el [[teatro]] que estudian la historia y la antropología de la cultura [[Pueblos semitas|semítica]] y [[Civilización judeocristiana|judeocristiana]] temprana han descubierto vínculos comunes en la actividad teatral y musical entre las culturas clásicas de los hebreos y las de los [[Antigua Grecia|griegos]] y [[Antigua Roma|romanos]] posteriores. El área común de actuación se encuentra en un «fenómeno social llamado [[letanía]]», una forma de [[Oración (religión)|oración]] que consiste en una serie de [[Invocación|invocaciones]] o [[súplica]]s. ''Journal of Religion and Theatre'' señala que entre las primeras formas de letanía, «la letanía hebrea estuvo acompañada de una rica tradición musical»:<ref name=JRT>{{cita publicación | apellido={{versalita|Krähenbühl}} | nombre= Lee | fechaarchivo=2006-10-04 | urlarchivo=https://web.archive.org/web/20061004134128/http://www.rtjournal.org/vol_5/no_1/krahenbuhl.html | url=http://www.rtjournal.org/vol_5/no_1/krahenbuhl.html | título=A Theatre Before the World: Performance History at the Intersection of Hebrew, Greek, and Roman Religious Processional | publicación=[[Journal of Religion and Theatre]] | volumen=5 | número=1 | fecha=Verano de 2006 | idioma=inglés}}</ref>

{{cita|''Genesis'' 4.21 indicated that Jubal is the "father of all such as handle the harp and pipe", the ''Pentateuch'' is nearly silent about the practice and instruction of music in the early life of Israel. In ''I Samuel'' 10, there are more depictions of "large choirs and orchestras". These large ensembles could only be run with extensive rehearsals. This had led some scholars to theorize that the prophet Samuel led a public music school to a wide range of students.<ref name=JRT/>|col2=El ''[[Génesis]]'' 4.21 indicaba que Jubal es el «padre de todos los que manejan el [[arpa]] y la flauta», el ''[[Pentateuco]]'' casi guarda silencio sobre la práctica y la instrucción de la música en la vida temprana de [[Israel]]. En ''[[I Samuel]]'' 10, hay más representaciones de «grandes [[coro]]s y orquestas». Estos grandes conjuntos sólo podían ejecutarse con ensayos extensos. Esto había llevado a algunos estudiosos a teorizar que el profeta [[Samuel (profeta)|Samuel]] dirigió una escuela pública de música para una amplia gama de estudiantes.}}

=== Antigua Grecia ===

{{multimedia 
| archivo=Ο Επιτάφιος του Σεῖκιλου - Epitaph of Seikilos.ogg
| título=Epitafio de Sícilo
| descripción=La inscripción cantada, según la pronunciación del griego [[koiné]].
}}
{{AP|Música de la Antigua Grecia}}
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la [[Antigua Grecia]]. Los músicos y cantantes desempeñaron un papel destacado en el [[Teatro de la Antigua Grecia|teatro griego]].<ref name=grove>{{cita enciclopedia | apellido={{versalita|Savage}} | nombre=Roger | url=http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/43289 | título=Incidental music | enciclopedia=Grove Music Online | editorial=Oxford Music Online | fechaacceso=13 de agosto de 2012 | suscripción=sí | idioma=inglés}}</ref> Se realizaban interpretaciones de [[Coro mixto|coros mixtos]] para el entretenimiento, la celebración y ceremonias espirituales.<ref name="west">{{cita libro | apellido={{versalita|West}} | nombre=Martin Litchfield | título=Ancient Greek music | editorial=Oxford University Press | año=1994}}</ref> Los instrumentos incluían el ''[[Aulós (instrumento)|aulós]]'' de doble [[lengüeta]] y un [[instrumento de cuerda pulsada]], la [[Lira (instrumento musical)|lira]], principalmente del tipo especial llamado ''[[kithara]]''. La música era una parte importante de la educación y a los niños se les enseñaba música a partir de los seis años. La alfabetización musical griega creó un florecimiento del desarrollo musical. La [[Teoría musical|teoría de la música]] griega incluía los [[Modo musical|modos musicales]] griegos, que eventualmente se convirtieron en la base de la [[música clásica]] y [[Música sacra|religiosa]] occidental. Más tarde, las influencias del [[Imperio Romano]], Europa del Este y el [[Imperio Bizantino]] cambiaron la música griega. El ''[[Epitafio de Sícilo]]'' es el ejemplo más antiguo que se conserva de una [[composición musical]] completa, incluida la [[notación musical]], de cualquier parte del mundo.<ref>{{cita publicación | apellido={{versalita|Winnington-Ingram}} | nombre=Reginald P. | título=Ancient Greek Music: A Survey | publicación=[[Music & Letters]] | volumen=10 | número=4 | páginas=326-345 | fecha=Octubre de 1929 | jstor=726126 | doi=10.1093/ml/10.4.326}}</ref> La obra escrita más antigua que sobrevive sobre el tema de la teoría musical es ''[[Elementa harmonica|Harmonika Stoicheia]]'' de [[Aristóxeno]].<ref name="Aristoxenus, Henry Stewart Macran">{{cita libro | url=https://books.google.com/books?id=3TseQjV_wogC&pg=PA165 | autor=Aristóxeno | enlaceautor=Aristóxeno | título=Harmonika Stoicheia (The Harmonics of Aristoxenus) | editorial=Georg Olms Verlag | año=1902 | isbn=978-3-487-40510-0 | oclc=123175755}}</ref>

=== Antigua Roma ===

[[Archivo: MosaicoVerdiales.jpg|miniaturadeimagen|Trío de músicos tocando un ''[[Aulós (instrumento)|aulós]]'', ''Cymbala'', y [[Tympanum|tímpano]] (mosaico de [[Pompeya]]).]]
{{AP|Música de la Antigua Roma}}
La [[música de la Antigua Roma]] fue parte de la [[Antigua Roma|cultura romana]] desde los tiempos más remotos. Las canciones (''[[Carmen (verso)|carmen]]'') eran una parte integral de casi todos los eventos sociales.{{harvnp|Habinek|2005|loc=''passim''}} El ''[[Carmen saeculare]]'' de [[Horacio]], por ejemplo, fue encargado por [[Augusto]] e interpretada por un coro mixto de niños en los [[Juegos Seculares]] del 17 a.&nbsp;C.<ref>{{cita libro | apellido={{versalita|Naerebout}} | nombre=Frederick G. | año=2009 | capítulo=Dance in the Roman Empire and Its Discontents | título=Ritual Dynamics and Religious Change in the Roman Empire. Proceedings of the Eighth Workshop of the International Network Impact of Empire | lugar=Heidelberg | fecha=5-7 de julio de 2007 | página=146}}</ref> La música era habitual en los funerales y la ''tibia'' (el ''aulós'' griego), un instrumento de viento-madera, se tocaba en los sacrificios para protegerse de las malas influencias.<ref>{{cita publicación | apellido={{versalita|Ginsberg-Klar}} | nombre=Maria E. | año=1981 | título=The Archaeology of Musical Instruments in Germany during the Roman Period | publicación=World Archaeology | volumen=12 | número=3 | páginas=313-320}}</ref> Bajo la influencia de la teoría griega antigua, se pensaba que la música reflejaba el orden del cosmos y se asociaba particularmente con las matemáticas y el conocimiento.{{harvnp|Habinek|2005|pp=90 y ss}}

La música [[Etruscos|etrusca]] tuvo una influencia temprana en la de los romanos. Durante el [[Imperio romano|período imperial]], los romanos llevaron su música a las provincias, mientras que las tradiciones de [[Asia Menor]], [[África del Norte]] y la [[Galia]] se convirtieron en parte de la cultura romana.<ref>{{cita publicación | apellido={{versalita|Scott}} | nombre=J. E. | año=1957 | capítulo=Roman Music | título=The New Oxford History of Music | volumen=1 | publicación=Ancient and Oriental Music | lugar=Oxford | editorial=Oxford University Press | página=404}}</ref>

La música acompañaba [[Imperio_romano#Recreación_y_espectáculos|espectáculos y eventos en la arena]], y era parte de la forma de artes escénicas llamada [[pantomima]] (''pantomimus''), una forma temprana de [[ballet]] narrativo que combinaba [[danza]] expresiva, [[música instrumental]] y un [[libreto]] cantado.<ref>{{cita publicación | apellido={{versalita|Franklin}} | nombre=James L., Jr. | año=1987 | título=Pantomimists at Pompeii: Actius Anicetus and His Troupe | publicación=American Journal of Philology | volumen=108 | número=1 | páginas=95-107}}</ref>

=== Edad Media ===

[[Archivo:Graduale Aboense 2.jpg|miniaturadeimagen|El [[introito]] de ''Gaudeamus omnes'', escrito en [[notación neumática]] en el ''Graduale Aboense'' de los siglos {{siglo|XIV}} y {{siglo|XV}}, rinde homenaje a [[Enrique de Upsala|Enrique, patrón de Finlandia]].{{multimedia|simple = sí|archivo=Gaudeamus omnes - Graduale Aboense.ogg|título=''Gaudeamus omnes''}}]]
{{AP|Música de la Edad Media}}
La [[Edad Media]] (476 a 1400) comenzó con la introducción del canto [[Monofonía|monofónico]] (línea melódica única) en los servicios de la [[Iglesia católica]]. La [[notación musical]] se usó desde la antigüedad en la cultura griega, pero en la Edad Media, la notación fue introducida por primera vez por la Iglesia católica para que las melodías de los cánticos pudieran escribirse, para facilitar el uso de las mismas melodías para la [[Música sacra|música religiosa]] en todo el mundo católico.<ref group=lower-alpha>Véase [[Historia de la notación en la música occidental]].</ref>{{harvnp|Michels|1985|p=183}} El único repertorio medieval europeo que se ha encontrado en forma escrita desde antes del 800 es el [[canto llano]] [[Liturgia|litúrgico]] monofónico de la Iglesia católica, cuya tradición central se llamaba [[canto gregoriano]]. 

Junto a estas tradiciones de música sacra, existía una vibrante tradición de canto [[Música profana|secular]]. Ejemplos de compositores de este período son [[Léonin]], [[Perotín]], [[Guillaume de Machaut]] y [[Walther von der Vogelweide]].

=== Renacimiento ===

{{AP|Música del Renacimiento}}
{{multimedia
| archivo = AmicusMeus.ogg
| título=''Amicus meus''
| descripción=De [[Tomás Luis de Victoria]].
| posición = izquierda
}}
La música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) se centró más en temas seculares, como el [[amor cortés]]. Alrededor de 1450, se inventó la [[imprenta]], que hacía [[partitura]]s impresas mucho menos costosas y más fáciles de producir en masa.<ref group=lower-alpha>Antes de la invención de la imprenta, toda la música anotada se copiaba a mano.</ref> La mayor disponibilidad de partituras ayudó a difundir los [[Estilo musical|estilos musicales]] más rápidamente y en un área más amplia. Los músicos y cantantes a menudo trabajaban para la iglesia, las cortes y las ciudades. Los [[coro]]s de la iglesia crecieron en tamaño y la Iglesia siguió siendo un [[Mecenazgo|mecenas]] importante de la música. A mediados del {{siglo|XV|0|s|0}}, los compositores escribieron música sacra ricamente [[Polifonía|polifónica]], en la que se entrelazaban simultáneamente diferentes líneas melódicas. Entre los compositores destacados de esta época se incluyen [[Josquin des Prés]], [[Guillaume Dufay]], [[Giovanni Pierluigi da Palestrina]], [[Tomás Luis de Victoria]], [[Thomas Morley]] y [[Orlando di Lasso]]. A medida que la actividad musical pasó de la Iglesia a las cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes compitieron por los mejores compositores. Muchos compositores importantes provenían de los [[Países Bajos]], [[Bélgica]] y el norte de [[Francia]]. Se les llama compositores franco-flamencos y ocuparon cargos importantes en toda Europa, especialmente en [[Italia]]. Otros países con una gran actividad musical fueron [[Alemania]], [[Inglaterra]] y [[España]].

=== Barroco ===

[[Archivo:Johann Sebastian Bach.jpg|miniaturadeimagen|[[Johann Sebastian Bach]] fue un destacado compositor de la [[Música del Barroco|era barroca de la música]].{{multimedia|archivo=Toccata et Fugue BWV565.ogg|título=''Tocata y fuga en re menor, BWV 565''|simple=sí}}]]
{{AP|Música del Barroco}}
La [[Música del Barroco|era barroca de la música]] tuvo lugar entre 1600 y 1750, cuando el [[Barroco|estilo artístico barroco]] floreció en toda Europa y durante este tiempo la música se expandió en su rango y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las primeras [[ópera]]s (música [[Voz (música)|vocal]] dramática [[Solo (música)|solista]] acompañada de orquesta). Durante la época barroca, la música polifónica [[Contrapunto|contrapuntística]], en la que se utilizaban múltiples líneas melódicas independientes simultáneas, siguió siendo importante.<ref group=lower-alpha>El [[contrapunto]] era importante en la música vocal de la época medieval.</ref> Los compositores barrocos alemanes escribieron para pequeños conjuntos que incluían [[Instrumento de cuerda|cuerdas]], [[Instrumento de viento metal|metales]] y [[Instrumento de viento-madera|viento-madera]], así como para coros e [[Instrumento de teclado|instrumentos de teclado]], como [[Órgano (instrumento musical)|órgano]], [[clavecín]] y [[clavicordio]]. Durante este período se definieron varias formas musicales importantes que perduraron en períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más, incluida la [[fuga]], la [[Invención (música)|invención]], la [[sonata]] y el [[concierto]].<ref name="sdsu">{{cita web | url=http://trumpet.sdsu.edu/M345/Baroque_Music1.html | título=''Baroque Music'' | nombre1=Elaine | apellido1={{versalita|Thornburgh}} | nombre2=Jack | apellido2={{versalita|Logan}} | obra=trumpet.sdsu.edu | fechaacceso=27 de octubre de 2015 | idioma=inglés | urlarchivo=https://web.archive.org/web/20150905175129/http://trumpet.sdsu.edu/M345/Baroque_Music1.html | fechaarchivo=5 de septiembre de 2015}}</ref> El estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente [[Adorno (música)|ornamentado]]. Entre los compositores importantes de la época barroca se encuentran [[Johann Sebastian Bach]], [[Georg Friedrich Händel]], [[Georg Philipp Telemann]] y [[Antonio Vivaldi]].

=== Clasicismo ===

[[Archivo:Classical period (music) * Música del Clasicismo.png|miniaturadeimagen|izquierda|
1. [[Luigi Cherubini]]<br />
2. [[Carl Philipp Emanuel Bach]]<br />
3. [[Joseph Haydn]]<br />
4. [[Johann Christoph Friedrich Bach]]<br />
5. [[Ludwig van Beethoven]]<br />
6. [[Franz Xaver Richter]]<br />
7. [[Wolfgang Amadeus Mozart]]<br />
8. [[Luigi Boccherini]]<br />
9. [[Carl Friedrich Abel]]<br />
10. [[Christoph Willibald Gluck]]<br />
11. [[Maria Anna Mozart]]<br />
12. [[Johann Christian Bach]]]]
{{AP|Música del Clasicismo}}
La [[Música del Clasicismo|música del período clásico]] (1730 a 1820) tenía como objetivo imitar lo que se consideraba los elementos clave del [[arte]] y la [[filosofía]] de la Antigua Grecia y [[Antigua Roma]]: los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada.<ref group=lower-alpha>La música del período clásico no debe confundirse con la [[música clásica]] en general, un término que se refiere a la música de arte occidental desde el {{siglo|V|0|s|0}} hasta la década de 2000, que incluye el período clásico como uno de varios períodos.</ref> La música del período clásico tiene una [[Textura (música)|textura]] más ligera, clara y considerablemente más simple que la música barroca que la precedió. El estilo principal fue la [[homofonía]],<ref>{{cita libro | apellido={{versalita|Blume}} | nombre=Friedrich | título=Classic and Romantic Music: A Comprehensive Survey | lugar=Nueva York | editorial=W.W. Norton & Company | año=1970}}</ref> donde una [[melodía]] prominente y una parte de acompañamiento de [[acorde]]s subordinados son claramente distintas. Las melodías instrumentales clásicas tendían a ser casi vocales y cantables. Se desarrollaron nuevos [[Género musical|géneros]] y el [[fortepiano]], el precursor del [[piano]] moderno, reemplazó al [[clavicémbalo]] y al [[Órgano (instrumento musical)|órgano]] de la época barroca como principal instrumento de teclado, aunque este último siguió utilizándose en la música sacra, como las [[Misa (música)|misas]].

Se le dio importancia a la [[música instrumental]]. Estuvo dominado por un mayor desarrollo de [[Forma musical|formas musicales]] inicialmente definidas en el período barroco: la sonata, el concierto y la [[sinfonía]]. Otros tipos principales fueron el [[Trío de música|trío]], el [[cuarteto de cuerda]], la [[serenata]] y el [[divertimento]]. La sonata fue la forma más importante y desarrollada. Aunque los compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo clásico de la sonata es completamente distinto. Todas las formas instrumentales principales de la era clásica, desde los cuartetos de cuerda hasta las sinfonías y los conciertos, se basaron en la estructura de la sonata. Los instrumentos tocaban [[música de cámara]] y la [[orquesta]] se volvió más estandarizada. En lugar del grupo de [[bajo continuo]] de la época barroca, que consistía en [[clavecín]], órgano o [[laúd]] junto con varios instrumentos bajos seleccionados a discreción del líder del grupo (por ejemplo, [[viola]], [[violonchelo]], [[tiorba]] o [[serpentón]]), los grupos de cámara clásicos usaron instrumentos estandarizados especificados (por ejemplo, un cuarteto de cuerdas sería interpretado por dos [[Violín|violines]], una viola y un violonchelo). La interpretación de acordes [[Improvisación musical|improvisados]] de la época barroca del tecladista de continuo o el laudista se eliminó gradualmente entre 1750 y 1800.

Uno de los cambios más importantes realizados en el período clásico fue el desarrollo de conciertos públicos. La aristocracia seguía desempeñando un papel importante en el patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora los compositores podían sobrevivir sin ser empleados permanentes de reyes o príncipes. La creciente popularidad de la música clásica llevó a un crecimiento en el número y tipos de orquestas. La expansión de los conciertos orquestales requirió la construcción de grandes espacios para espectáculos públicos. La música sinfónica, incluidas las sinfonías, el acompañamiento musical al ballet y los géneros vocales/instrumentales mixtos, como la [[ópera]] y el [[Oratorio (música)|oratorio]], se hicieron más populares.

Los compositores más destacados del clasicismo son [[Carl Philipp Emanuel Bach]], [[Christoph Willibald Gluck]], [[Johann Christian Bach]], [[Joseph Haydn]], [[Wolfgang Amadeus Mozart]], [[Ludwig van Beethoven]] y [[Franz Schubert]]. Beethoven y Schubert también se consideran compositores de la última parte de la era clásica, ya que comenzó a moverse hacia el [[Romanticismo]].

=== Romanticismo ===

[[Archivo:Moritz von Schwind Schubertiade.jpg|miniaturadeimagen|El [[piano]] fue la pieza central de la [[Historia social del piano|actividad social]] de los urbanitas de clase media en el {{siglo|XIX|0|s|0}} ([[Moritz von Schwind]], 1868). El hombre al piano es el compositor [[Franz Schubert]].]]
{{AP|Música del Romanticismo}}
La [[Música del Romanticismo|música romántica]] (c. 1810 a 1900) del {{siglo|XIX|0|s|0}} tenía muchos elementos en común con los estilos románticos en la [[Literatura del Romanticismo|literatura]] y la [[Pintura del romanticismo|pintura]] de la época. El [[Romanticismo]] fue un movimiento artístico, literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo, así como por la glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La música romántica se expandió más allá de los estilos y formas rígidos de la era clásica hacia piezas y canciones expresivas más apasionantes y dramáticas. Compositores románticos como [[Richard Wagner]] y [[Johannes Brahms]] intentaron aumentar la expresión emocional y el poder en su música para describir verdades más profundas o sentimientos humanos. Con [[Poema sinfónico|poemas sinfónicos]], los compositores intentaron contar historias y evocar imágenes o paisajes utilizando música instrumental. Algunos compositores promovieron el orgullo [[Nacionalismo musical|nacionalista]] con música orquestal patriótica inspirada en la [[Música tradicional|música folclórica]]. Las cualidades emocionales y expresivas de la música llegaron a prevalecer sobre la tradición.

Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el [[sincretismo]] de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la literatura), la historia (personajes históricos y leyendas) o la naturaleza misma. El [[amor romántico]] o el anhelo fue un tema predominante en muchas obras compuestas durante este período. En algunos casos, se siguieron utilizando las estructuras formales del período clásico (por ejemplo, la [[forma sonata]] utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías), pero estas formas se ampliaron y modificaron. En muchos casos, se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones existentes. Además, se crearon nuevos formularios que se consideraron más adecuados para el nuevo tema. Los compositores continuaron desarrollando música de ópera y ballet, explorando nuevos estilos y temas.<ref name=grove/>

En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por [[Ludwig van Beethoven]] y [[Franz Schubert]] introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los [[Motivo (música)|motivos]] cortos, desarrollados orgánicamente, llegaron a reemplazar a la [[melodía]] como la unidad compositiva más significativa.<ref group=lower-alpha>Un ejemplo es la figura distintiva de cuatro notas utilizada en su ''[[Sinfonía n.º 5 (Beethoven)|Quinta Sinfonía]]''.</ref> Compositores románticos posteriores como [[Piotr Ilich Chaikovski]], [[Antonín Dvořák]] y [[Gustav Mahler]] utilizaron [[acorde]]s más inusuales y más [[disonancia]] para crear una tensión dramática. Generaron obras musicales complejas y, a menudo, mucho más largas. Durante el período romántico tardío, los compositores exploraron las alteraciones [[Cromatismo (música)|cromáticas]] dramáticas de la [[Tonalidad (música)|tonalidad]], como los [[Acorde extendido|acordes extendidos]] y los [[Acorde alterado|acordes alterados]], que crearon nuevos colores de sonido. A finales del {{siglo|XIX|0|s|0}} se produjo una expansión espectacular en el tamaño de la orquesta y la [[Revolución industrial]] ayudó a crear mejores instrumentos, creando un sonido más potente. Los conciertos públicos se convirtieron en una parte importante de la sociedad urbana acomodada. También vio una nueva diversidad en la [[música para teatro]], incluida la [[opereta]], la [[comedia musical]] y otras formas de teatro musical.<ref name=grove/>

El piano fue un instrumento representativo de esta época, no sólo en el ámbito musical sino también en el técnico ya que gracias a los avances logrados gracias a la Revolución industrial su [[Mecanismo de percusión del piano|mecanismo]] fue mejorado sustancialmente. De la misma forma que el [[capitalismo]] influyó en el modo de organización jerárquico de las [[Producción en cadena|cadenas de producción]], el piano se utilizó como herramienta para conseguir la expresión musical y como ayuda a la composición.<ref name="literatura_piano">{{cita web | url = http://www.hagaselamusica.com/ficha-periodos-musica/romanticismo/musica-para-piano/ | título = Música para piano | fechaacceso = 5 de noviembre de 2008 | urlarchivo = https://web.archive.org/web/20081016131407/http://www.hagaselamusica.com/ficha-periodos-musica/romanticismo/musica-para-piano/ | fechaarchivo = 16 de octubre de 2008 }}</ref> En dicho período hubo importantes compositores como [[Félix Mendelssohn]], [[Frédéric Chopin]], [[Franz Liszt]], [[Robert Schumann]], Franz Schubert, Johannes Brahms, [[Edvard Grieg]] e [[Isaac Albéniz]] que realizaron obras para piano. Del [[música del Romanticismo#Romanticismo tardío (1850-1910)|romanticismo tardío]] destacan compositores como [[Aleksandr Skriabin]], [[Serguéi Rajmáninov]] y [[Gabriel Fauré]].<ref name="compositores_piano">{{cita web | url = http://www.filomusica.com/filo88/inthistorica.html | título = Aspectos generales sobre la interpretación de la música para piano a través de la historia | fechaacceso = 4 de noviembre de 2008 | urlarchivo = https://web.archive.org/web/20081103221050/http://www.filomusica.com/filo88/inthistorica.html | fechaarchivo = 3 de noviembre de 2008 }}</ref>

=== Siglo XX y XXI ===

[[Archivo:Caruso with phonograph2.jpg|miniaturadeimagen|izquierda|[[Enrico Caruso]] con un [[gramófono]].]] 
{{AP|Música clásica del siglo XX}}
En el {{siglo|XIX|0|s|0}}, una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a conocer al público fue mediante la venta de [[partitura]]s, que los amantes de la música aficionados de clase media tocaban en casa en su piano u otros instrumentos comunes, como el violín. Con la música del {{siglo|XX|0|s|0}}, la invención de nuevas tecnologías eléctricas como la [[Radio (medio de comunicación)|radiodifusión]] y la disponibilidad de [[Disco fonográfico|discos]] de [[gramófono]] en el mercado masivo significó que las grabaciones sonoras de canciones y piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la radio o en su [[tocadiscos]]) se convirtieron en la principal vía para aprender sobre nuevas canciones y piezas. Hubo un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad y los fonógrafos se utilizaron para reproducir y distribuir música, porque mientras que en el {{siglo|XIX|0|s|0}}, el enfoque en las partituras restringió el acceso a la nueva música a las personas de clase media y alta que podían leer música y poseían pianos e instrumentos, en el {{siglo|XX|0|s|0}}, cualquier persona con radio o tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y grandes bandas en su propia sala de estar. Esto permitió a las personas de bajos ingresos, que nunca podrían pagar una entrada para un concierto de ópera o sinfónico, escuchar esta música. También significaba que las personas podían escuchar música de diferentes partes del país, o incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse viajar a estos lugares. Esto ayudó a difundir los estilos musicales.

El enfoque de la música artística en el {{siglo|XX|0|s|0}} se caracterizó por la exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Las consecuencias de la [[Primera Guerra Mundial]] influyeron en muchas de las artes, incluida la música, y algunos compositores comenzaron a explorar sonidos más oscuros y ásperos. Los compositores utilizaron estilos musicales tradicionales como el [[jazz]] y la [[Música tradicional|música folclórica]] como fuente de ideas para la [[música clásica]]. [[Ígor Stravinski]], [[Arnold Schönberg]] y [[John Cage]] fueron compositores influyentes en la música artística del {{siglo|XX|0|s|0}}. La invención de la [[Grabación y reproducción de sonido|grabación de sonido]] y la capacidad de editar música dio lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica [[Música acusmática|acusmática]]<ref>{{cita libro | apellido={{versalita|Schaeffer}} | nombre=P. | año=1966 | título=Traité des objets musicaux | editorial=Le Seuil | lugar=París}}</ref> y [[música concreta]]. La grabación de sonido también fue una gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares, porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de [[grabación multipista]] tuvo una gran influencia en la música ''[[rock]]'', porque podía hacer mucho más que grabar la interpretación de una banda. Usando un sistema multipista, una banda y su [[Productor discográfico|productor musical]] podrían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una actuación en vivo.

{{Imagen múltiple
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|foto1=Louis Armstrong NYWTS.jpg|ancho1=2911|alto1=2008
|foto2=Charlie Parker, Downbeat, New York, N.Y., ca. 1947 (William P. Gottlieb 06861) (cropped).jpg|ancho2=2911|alto2=2008
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|texto=Algunos músicos expositores del [[jazz]]. En sentido horario, desde arriba a la izquierda: [[Louis Armstrong]], [[Charlie Parker]], [[Ella Fitzgerald]] y [[Aretha Franklin]]. }}
El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del{{siglo|XX|0|s|0}} y durante la segunda mitad de ese siglo, la música ''rock'' hizo lo mismo. El jazz es una forma de arte musical estadounidense que se originó a principios de siglo en las comunidades afroamericanas del sur de [[Estados Unidos]] a partir de una confluencia de [[Música africana|tradiciones musicales africanas]] y europeas. El pedigrí de África Occidental del estilo es evidente en el uso de [[Nota de blues|notas de blues]], [[improvisación]], [[polirritmo]]s, [[Síncopa (música)|síncopa]] y la [[Swing (cualidad musical)|nota swing]].<ref>{{cita libro | nombre=Alyn | apellido={{versalita|Shipton}} | título=A New History of Jazz | edición=2ª | editorial=Continuum | año=2007 | páginas=4-5}}</ref>

La música ''rock'' es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1960 a partir del ''[[rock and roll]]'' de la década de 1950, el ''[[rockabilly]]'', el [[blues]] y la música [[country]].<ref>{{cita publicación | apellido={{versalita|Gilliland}} | nombre= John | url=https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc19838/m1/ | título=Show 55 – Crammer: A lively cram course on the history of rock and some other things | obra=Pop Chronicles | editorial=University of North Texas Libraries | fechaacceso=4 de julio de 2021 | idioma=inglés}}</ref> El sonido del ''rock'' a menudo gira en torno a la [[guitarra eléctrica]] o [[Guitarra acústica|acústica]] y utiliza un fuerte ritmo de fondo establecido por una sección rítmica. Junto con la guitarra o los [[Teclado (instrumento musical)|teclados]], el [[saxofón]] y la [[armónica]] de estilo blues se utilizan como instrumentos solistas. La sección rítmica tradicional de la música popular es la guitarra rítmica, el [[bajo eléctrico]] y la [[Batería (instrumento musical)|batería]]. Algunas bandas también tienen instrumentos de teclado como órgano, piano o, desde la década de 1970, [[Sintetizador analógico|sintetizadores analógicos]]. En la década de 1980, los músicos [[pop]] comenzaron a usar [[sintetizador]]es digitales, como el [[Yamaha DX7]], [[Caja de ritmos|cajas de ritmos]] electrónicas como el [[Roland TR-808]] y dispositivos de bajo sintetizado (como el Roland TB-303) o teclados de bajo sintetizado. En la década de 1990, se utilizó una gama cada vez más amplia de dispositivos e instrumentos musicales de hardware computarizado y software (por ejemplo, [[Estación de trabajo de audio digital|estaciones de trabajo de audio digital]]). En la década de 2020, los [[Sintetizador de software|sintetizadores de software]] y las aplicaciones de música de computadora hacen posible [[productores de dormitorio]] para crear y grabar algunos tipos de música, como [[Electronic dance music|música electrónica de baile]] en su propia casa, agregando instrumentos muestreados y digitales y editando la grabación digitalmente. En la década de 1990, algunas bandas de géneros como el ''[[nu metal]]'' comenzaron a incluir [[Disc-jockey|DJ]] en sus bandas. Los DJs crean música manipulando música grabada en tocadiscos o reproductores de [[Disco compacto|CD]], usando un [[mezclador de DJ]].

== Cultura y música ==

{{No neutralidad}}

[[Archivo:Violinista.jpg|izquierda|miniaturadeimagen|Violinista en la catedral de Dublín.]]

Todas las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. La mayoría de las especies animales también son capaces de producir sonidos de una forma organizada para comunicar una gran variedad de mensajes. Lo que define a la música de los hombres no es tanto el ser una combinación «correcta» (o «armoniosa» o «bella») de sonidos en el tiempo como el ser una práctica de los seres humanos dentro de un grupo social determinado.

Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de diversos pueblos y culturas tengan en común, es importante no perder de vista la diversidad en cuanto a los instrumentos utilizados para producir música, en cuanto a las formas de emitir la voz, en cuanto a las formas de tratar el ritmo y la melodía, y, sobre todo, en cuanto a la función que desempeña la música en las diferentes sociedades: no es lo mismo la música que se escucha en una celebración religiosa, que la música que se escucha en un anuncio publicitario, ni la que se baila en una discoteca. Tomando en consideración las funciones que una música determinada desempeña en un contexto social determinado, podemos ser más precisos a la hora de definir las características comunes de la música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que no son las de nuestra sociedad.

[[Archivo:POL MDM Muzyka3.jpg|miniaturadeimagen|''[[Música (escultura)|La Música]]'', representación alegórica de la música, diseñada por [[Józef Gosławski]] en un edificio en [[Varsovia]].]]

La mayoría de las definiciones de música solo toman en cuenta algunas músicas producidas durante determinado lapso en Occidente, creyendo que sus características son «universales», es decir, comunes a todos los seres humanos de todas las culturas y de todos los tiempos. Dice Schopenhauer, «(la música) repercute en el hombre de manera tan potente y magnífica, que puede ser comparada a una lengua universal, cuya claridad y elocuencia supera a todos los idiomas de la tierra».<ref>{{Cita libro | apellidos={{versalita|Schopenhauer}} | nombre=Arthur |enlaceautor=Arthur Schopenhauer |título=Sobre la música | año=2016 | editorial=Casimiro | isbn=9788415715818}}</ref>

Muchos piensan que la música es un lenguaje «universal», puesto que varios de sus elementos, como la melodía, el ritmo, y especialmente la [[armonía]] (relación entre las frecuencias de las diversas notas de un acorde) son plausibles de explicaciones más o menos matemáticas, y que los humanos en mayor o menor medida, estamos naturalmente capacitados para percibir como bello. Quienes creen esto ignoran o soslayan la complejidad de los fenómenos culturales humanos. Así, por ejemplo, se ha creído que la armonía es un hecho musical universal cuando en realidad es exclusivo de la música de Occidente de los últimos siglos; o, peor aún, se ha creído que la armonía es privativa de la cultura occidental{{cita requerida}} porque representa un estadio más «avanzado» o «superior» de la «evolución» de la música.

Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades occidentales (u occidentalizadas) es la compleja división del trabajo de la que es objeto la práctica musical. Así, por ejemplo, muchas veces es uno quien compone la música, otro quien la ejecuta, y otro tercero quien cobra las regalías. La idea de que quien crea la música es otra persona distinta de quien la ejecuta, así como la idea de que quien escucha la música no está presente en el mismo espacio físico en donde se produce es solamente posible en la sociedad occidental de hace algunos siglos; lo más común (es decir, lo más «universal») es que creador e intérprete sean la misma persona.

== La notación musical occidental ==

{{AP|Historia de la notación en la música occidental}}
[[Archivo:Delphichymn.jpg|miniaturadeimagen|Fragmento de uno de los himnos dedicado al dios de la música [[Apolo]], en [[Delfos]], [[Grecia]]. El templo oracular era una [[acrópolis]] y fue construido en su honor. Este fragmento contiene la [[notación musical]] introducida por los helenos, situando las notas por sobre las estrofas (a modo de «''cancionero popular''»).]]

Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen formas de notación musical. Sin embargo, es a partir de la música de la edad media (principalmente [[canto gregoriano]]) que se comienza a emplear el sistema de notación musical que evolucionaría al actual. En el [[Música del Renacimiento|Renacimiento]] cristalizó con los rasgos más o menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque -como todo lenguaje- ha ido variando según las necesidades expresivas de los usuarios.

El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el transcurrir del tiempo, y otro vertical que representa gráficamente la altura del sonido. Las alturas se leen en relación a un pentagrama (del griego «πεντα», «penta»: cinco; y «γραμμa», «grama»: líneas), que al comienzo tiene una [[Clave (notación musical)|clave]] que tiene la función de atribuir a una de las líneas del pentagrama una determinada nota musical. En un pentagrama encabezado por la «[[clave de sol]] en segunda línea» nosotros leeremos como ''[[sol (nota musical)|sol]]'' el sonido que se escribe en la segunda línea (contando desde abajo), como ''[[la (nota musical)|la]]'' el sonido que se escribe en el espacio entre la segunda y la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc. Para los sonidos que quedan fuera de la clave se escriben [[líneas adicionales]]. Las claves más usadas son las de:
* ''do'' en tercera línea (clave que toma como referencia al do<sub>4</sub> de 261,63&nbsp;[[hercios|Hz]], el [[Do central|''do'' central]] del [[piano]]), 
* ''sol'' en segunda línea (que se refiere al ''sol'' que se encuentra una quinta por encima del ''do'' central), y
* ''fa'' en cuarta línea (referida al ''fa'' que está una quinta por debajo del ''do'' central).

El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas compases: cada línea vertical que atraviesa el pentagrama marca el final de un compás y el comienzo del siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá una fracción con dos números; el número de arriba indica la cantidad de tiempos que tiene cada compás; el número de abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.

Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda (representada como un círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con un palito vertical llamado plica), la negra (igual que la blanca pero con un círculo negro), la corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal que comienza en la punta de la plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos horizontales), etc. Cada una vale la mitad de su antecesora: la blanca vale la mitad que una redonda y el doble que una negra, etc.

Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo en determinada partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación del compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será representado por una negra, etc. Así, una partitura encabezada por un {{música|compás|3|4}} estará dividida en compases en los que entren tres negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro corcheas, etc.); un compás de {{música|compás|4|8}} tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una corchea, etc.

Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un silencio de redonda, de blanca, etc..

Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o mitad), lo que no prevé la subdivisión por tres, que será indicada con [[tresillo]]s. Cuando se desea que a una nota o silencio se le agregue la mitad de su duración, se le coloca un punto a la derecha ([[puntillo]]). Cuando se desea que la nota dure, además de su valor, otro determinado valor, se escriben dos notas y se las une por medio de una línea arqueada llamada ligadura de prolongación.

En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras escritas más o menos convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo, las intensidades se indican mediante el uso de una «f» (''forte'', fuerte) o una «p» (''piano'', suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos se indica con palabras al comienzo de la partitura que son, en orden de velocidad: ''largo'', ''lento'', ''adagio'', ''moderato'', ''andante'', ''allegro'', ''presto''.

== Beneficios de la música a nivel psicológico y neurológico ==

[[Archivo:William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) - Song of the Angels (1881).jpg|miniaturadeimagen|''El [[canto]] de los [[ángel]]es'' (obra de [[William Bouguereau]], {{siglo|XIX|0|s|0}}.]]

La práctica de la ejecución musical sobre la base de un instrumento, promueve un mejor rendimiento a nivel cerebral. Las lecciones musicales activan a ambos hemisferios cerebrales. Por esta actividad, la concentración, memoria y disciplina de un estudiante se ven a duelo al ejercitarse, y este ejercicio suele mejorar la capacidad de las aptitudes mencionadas. En el momento en el que el cerebro se ve retado a dividirse en varias funciones que requieren concentración y precisión, como al tocar instrumentos ya sea piano, guitarra, violín, contrabajo, entre otros, mejora sus funciones. Estudios realizados por la Universidad de Harvard y la Universidad de California han comprobado que la práctica de instrumentos musicales hace que los dos hemisferios cerebrales formen nuevas conexiones, cuya realización produce que el cerebro tenga un mejor rendimiento en los campos de la concentración, memoria y aprendizaje. El legendario científico español de la neurociencia moderna, [[Santiago Ramón y Cajal]], descubrió que la única actividad que hacía más conexiones en las células cerebrales era tocar el piano, ya que en este instrumento se emplea cada dedo en una tecla distinta, enfocándose cada mano en distintos ritmos y velocidades, y en adición, los pies, que también tienen una importante función al utilizarse los pedales.<ref>{{Cita web | url=http://www.salabeethoven.com.mx/estudiar-musica-mueve-el-intelecto/ | título=Estudiar música mueve el intelecto | apellido={{versalita|Meza}} | nombre=Jessica | fecha=2007 | fechaacceso=2015}}</ref> 

A nivel mental, también se considera muy útil la teoría musical para facilitar el aprendizaje de otros idiomas. Características importantes de la música, como el tono, el timbre, la intensidad y el ritmo, tienen mucho que ver con las variaciones del habla en los distintos idiomas. Cada uno de estos tiene un acento distinto, y en la música descubrimos los diversos tonos, timbres, y ritmos que se podrían acoplar a los diferentes idiomas.<ref>{{Cita web | url=http://search.proquest.com/docview/311278541?accountid=44825 | título=Entrenadora del cerebro | apellido={{versalita|Guindi}} | nombre=Renee | fecha=1996 | fechaacceso=2015}}</ref>

== Véase también ==

{{Portal|Música}}
* [[Música surrealista]]
* [[Solfeo]]
* [[Cultura de Europa#Música]]
* [[Historia de la ópera]]

== Notas y referencias ==

;Notas
{{listaref|group=lower-alpha}}

;Referencias
{{listaref|2}}

== Bibliografía ==

{{refcomienza}}
* {{cita libro| isbn=9780295953380| título=How Musical is Man? | nombre=John | apellido={{versalita|Blacking}} | enlaceautor=John Blacking | editorial=University of Washington Press | idioma=inglés | año=1974 | url=https://books.google.es/books?id=yqR6uASK2C0C}}
* {{cita libro | isbn=9789681641511 | título=Como escuchar música | nombre=Aaron | apellido={{versalita|Copland}} | enlaceautor=Aaron Copland | editorial=Fondo de Cultura Económica}}
* {{cita libro | apellido={{versalita|Habinek}} | nombre=Thomas | año=2005 | título=The World of Roman Song: From Ritualized Speech to Social Order | lugar=Baltimore | editorial=Johns Hopkins University Press | url=https://books.google.es/books?id=Em_XpAvaT9oC | idioma=inglés | isbn=9780801881053}}
* {{cita libro | nombre=Charles | apellido={{versalita|Kahn}} | título=World History: Societies of the Past | año=2005 | editorial=Portage & Main Press | url=https://books.google.es/books?id=gEXCIH4tek8C | idioma=inglés | isbn=9781553790457}}
* {{cita libro | isbn=978-84-493-1742-2 | título=Nuevos ensayos sobre la comprensión musical| año=2001| nombre=Peter | apellido={{versalita|Kivy}} | editorial=Paidós}}
* {{cita libro | isbn=84-206-6999-7 | título=Atlas de música| año=1985| nombre=Ulrich | apellido={{versalita|Michels}} | editorial=Alianza Editorial}}
* {{cita libro | nombre=Richard O. | apellido={{versalita|Nidel}} | título=World Music: The Basics | año=2005 | isbn=9780415968003 | editorial=Routledge}}
* {{cita libro | isbn=978-84-8109-701-6 | título=El canto de las sirenas: argumentos musicales| año=2007| enlaceautor=Eugenio Trías | nombre=Eugenio | apellido={{versalita|Trías}} | editorial=Galaxia Gutenberg}}
{{reftermina}}

== Enlaces externos ==
*{{Lookfrom|Música}}
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{{Wikisource|Categoría:Música|Música}}
{{Wikiversidad|Categoría:Música}}
{{Wikcionario}}

{{control de autoridades}}
[[Categoría:Música| ]]