Monodia

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Portada de Le Nuove musiche de Giulio Caccini (1601), una de las primeras y más importantes colecciones de música en estilo monódico.

Monodia (del griego μονῳδία, monodia, compuesto de μόνος, monos, "solo, único" y ᾠδή, ode, "canto") es un término que designa dos conceptos musicales distintos a lo largo de la historia, así como un género literario en la tradición clásica .

En su acepción más general y antigua, es sinónimo de monofonía, la textura musical de una sola línea melódica sin acompañamiento, característica de la música medieval como el canto gregoriano . Sin embargo, el término se emplea de forma más específica para definir un estilo de canto solista con acompañamiento instrumental que surgió en Italia alrededor de 1600. Esta "monodia acompañada" o "melodía acompañada" se considera una de las innovaciones cruciales que definieron el comienzo de la era barroca . El término es de uso académico moderno, ya que ningún compositor del siglo XVII tituló sus obras con este nombre; preferían denominaciones como madrigal, motete o, en el caso español, tono humano .

Definición y conceptos clave

Para evitar confusiones, es esencial distinguir los dos usos principales del término en música:

• Monodia como sinónimo de monofonía: Se refiere a la textura musical más antigua, donde todas las voces e instrumentos interpretan la misma melodía, ya sea al unísono o en octavas. Es la textura propia de las culturas musicales de la Antigüedad, de la mayor parte de la música folclórica y del canto gregoriano en la tradición occidental .
• Monodia acompañada (stile recitativo): Estilo musical surgido a finales del siglo XVI que consiste en una sola voz melódica acompañada por instrumentos que ejecutan acordes (generalmente a partir de un bajo continuo cifrado). A diferencia de la homofonía, el acompañamiento no es estrictamente dependiente del ritmo de la voz y puede tener su propio movimiento. Este estilo buscaba la expresividad del texto por encima de la complejidad contrapuntística, imitando, según la idea de la Camerata Florentina, la música de la Antigua Grecia .

La monodia en la literatura y la poesía antiguas

Independientemente de su uso musical, el término "monodia" tiene una larga tradición en la poesía y la literatura clásica.

En el contexto de la Antigua Grecia, una monodia (μονῳδία) era simplemente un poema lírico cantado por un solo intérprete, en contraposición a los cantos del coro . Esta práctica se remonta a los primeros poetas líricos, como Arquíloco de Paros (siglo VII a. C.), cuyas composiciones eran interpretadas por una sola voz .

Posteriormente, en la poesía bizantina, el término se especializó para designar un poema en el que una persona lamenta la muerte de otra, es decir, una elegía fúnebre, un treno, epicedio o planto . Esta acepción literaria perduró y, en este sentido, poetas de épocas posteriores como Lord Byron o Samuel Taylor Coleridge escribieron "monodias" en memoria de amigos o colegas fallecidos.

Monodia acompañada (siglos XVI-XVII)

En Italia

La monodia acompañada se desarrolló a partir del intento por parte de la Camerata Florentina, un círculo de humanistas, músicos y poetas que se reunía en Florencia en la década de 1570 y 1580 bajo el patrocinio del conde Giovanni de' Bardi, de recuperar las ideas de la Grecia Antigua acerca de la melodía y de la declamación en el teatro de la Antigua Grecia (probablemente con poca exactitud histórica) . Figuras como Vincenzo Galilei (padre del astrónomo) y el poeta Ottavio Rinuccini buscaban un estilo de canto que se acercara a la declamación natural, en contraste con las complejas texturas polifónicas del Renacimiento tardío, donde el texto a menudo resultaba ininteligible .

El resultado fue el stile recitativo o stile rappresentativo, un tipo de canto a medio camino entre la declamación y la melodía, capaz de expresar las emociones más profundas del texto. En la monodia, una voz solista canta una línea melódica, generalmente con ornamentación considerable, sobre una línea de bajo rítmicamente independiente que constituye el bajo continuo y que en la interpretación era rellenada armónicamente de acuerdo con el cifrado indicado .

Giulio Caccini, otro miembro de la Camerata, cristalizó estas ideas en su influyente colección Le nuove musiche (Florencia, 1601/1602), un tratado y cancionero que sentó las bases técnicas y estéticas de la monodia . Los instrumentos musicales de acompañamiento que ejecutaban el continuo podían ser el laúd, el chitarrone, la tiorba, el clavicordio, el órgano e incluso en ocasiones la guitarra .

El nuevo estilo se difundió rápidamente por Italia. Compositores como Jacopo Peri (autor de la primera ópera, Euridice), Claudio Monteverdi o Sigismondo d'India lo adoptaron y desarrollaron, no solo en el incipiente género operístico, sino también en formas vocales profanas y sacras . Las composiciones en forma monódica podían recibir nombres como madrigal, motete o incluso concerto (en el sentido antiguo del concertato, que significa "con instrumentos") . El madrigal y el motete, formas renacentistas, se convirtieron así en piezas solistas con acompañamiento a partir de 1600 .

Los pasajes contrastantes en las monodias podían ser más melódicos (ariosos) o más declamatorios (recitativos). Esta dualidad con el tiempo daría lugar al aria y al recitativo como formas separadas, que hacia 1635 se integrarían en la cantata . El desarrollo de la monodia fue una de las características que definieron la práctica musical del barroco temprano, en contraposición al estilo de la música renacentista tardía, en el que los grupos de voces cantaban con un mayor equilibrio entre las partes .

Fuera de Italia, el desarrollo tomó caminos particulares. En Francia, la canción solista con acompañamiento evolucionó como air de cour, un género más conservador que mantenía muchas características de la chanson renacentista y al que no suele aplicarse el término "monodia" .

En España

La influencia de la monodia italiana llegó pronto a España, donde se fusionó con las ricas tradiciones locales para crear un estilo propio y original. Figuras como el compositor franco-flamenco Mateo Romero ("Maestro Capitán"), activo en la corte madrileña desde finales del siglo XVI, jugaron un papel crucial en la introducción de las nuevas técnicas del bajo continuo y la melodía acompañada. Sin embargo, la monodia en España no fue una mera imitación, sino que se adaptó a la lengua, la poesía y las formas musicales autóctonas, dando lugar a géneros como el tono humano.

El tono humano era una canción profana, generalmente para voz solista y acompañamiento de bajo continuo, que abordaba temas amorosos, satíricos o líricos con textos de los grandes poetas del Siglo de Oro como Lope de Vega o Francisco de Quevedo. Estos tonos se recopilaron en valiosos cancioneros de la época. El más famoso es el Cancionero de Sablonara (o de Múnich), que contiene obras polifónicas y monódicas escritas para la corte de Felipe IV en las primeras décadas del siglo XVII. A diferencia de las colecciones italianas, el Cancionero de Sablonara incluye también obras para varias voces con acompañamiento, mostrando una fase de transición hacia la monodia pura. Composiciones posteriores, como las del Manuscrito Guerra (c. 1680), muestran ya la plena adopción del estilo solista con bajo continuo.

Los instrumentos para realizar el acompañamiento eran variados, destacando la guitarra, la tiorba, el arpa y el órgano, instrumentos con una tradición muy arraigada en la península.

El desarrollo de la monodia en España estuvo también intrínsecamente ligado al auge del teatro y la creación de la zarzuela. Compositores como Juan Hidalgo de Polanco (1614-1685), considerado el padre de la ópera y la zarzuela españolas, emplearon el recitativo y el aria en sus obras escénicas, adaptando el estilo italiano a la métrica y el drama castellanos. Su colaboración con el dramaturgo Pedro Calderón de la Barca fue fundamental para consolidar el nuevo estilo musical en el teatro, como en la obra *Celos aun del aire matan* (1660).

Otro nombre fundamental es el de José Marín (1618/19-1699), cantante y compositor cuya obra, recogida en el llamado Cancionero de Marín, contiene decenas de tonos humanos que ejemplifican la perfección de la monodia profana en España, con canciones de gran belleza melódica y profundidad expresiva. Ya a finales del siglo XVII, Sebastián Durón (1660-1716) fue una figura clave en la evolución de la música escénica y religiosa hacia el estilo italiano más avanzado, siendo un eslabón esencial entre la generación de Hidalgo y la influencia italiana plena del siglo XVIII.

Géneros y formas musicales asociados a la monodia

Las composiciones monódicas adoptaron diversas formas y nombres según su función y lugar de origen:

En Italia:

• Madrigal y motete: Formas renacentistas que, a partir de 1600, se convirtieron en piezas solistas con acompañamiento, adoptando el nuevo estilo expresivo .
• Aria y Recitativo: Los dos estilos de canto que emergieron de la monodia, el primero más melódico y el segundo más cercano a la declamación dramática .
• Cantata: Forma que, hacia 1635, combinaba secciones de recitativo y aria en una estructura más amplia .

En España:

• Tono humano: Principal género de la monodia profana española, generalmente para voz solista y continuo, con textos de temática amorosa o moral.
• Villancico barroco: De temática religiosa, a menudo en lengua vernácula y con estilos populares, incorporó la textura de melodía acompañada en algunas de sus secciones.
• Teatro lírico (Zarzuela): Las primeras zarzuelas y óperas españolas utilizaron extensamente el estilo monódico para los solistas, con fines dramáticos.

Compositores principales

La nómina de compositores que cultivaron la monodia es extensa. A continuación, se presenta una lista que incluye tanto a los italianos más conocidos como a los principales representantes del ámbito hispano.

Antigüedad clásica

• Arquíloco de Paros (712 a. C.-664 a. C.)

Italia

• Vincenzo Galilei (1520-1591)
• Giulio Caccini (c. 1545-1618)
• Emilio de' Cavalieri (c. 1550-1602)
• Jacopo Peri (1561-1633)
• Claudio Monteverdi (1567-1643)
• Alessandro Grandi (c. 1575-1630)
• Sigismondo d'India (c. 1582-1629)
• Claudio Saracini (1586-c.1649)
• Francesca Caccini (1587-c.1641)
• Benedetto Ferrari (c. 1603-1681)
• Bartolomeo Barbarino (? - c.1617)
• Giovanni Pietro Berti (m. 1638)

España y el ámbito hispano

• Mateo Romero ("Maestro Capitán") (c. 1575-1647)
• Juan Blas de Castro (c. 1561-1631)
• Juan Hidalgo de Polanco (1614-1685)
• José Marín (1618/19-1699)
• Gabriel Díaz (fl. primeras décadas del siglo XVII)
• Álvaro de los Ríos (fl. c. 1620)
• Bernardo Clavijo del Castillo (c. 1545-1626)
• Joan Pau Pujol (1570-1626)
• Manuel Rodrigues Coelho (c. 1555-c. 1635)
• Sebastián Durón (1660-1716)

Bibliografía

• Copland, Aaron. What to Listen for in Music. Penguin, 2011 [1957]. Cómo escuchar la música. Fondo de Cultura Económica, 2008.
• Butterfield, Ardis. «Monophonic song: questions of category». Companion to Medieval & Renaissance Music. Oxford University Press, 1997.
• Corozine, Vince. Arranging Music for the Real World. Mel Bay, 2011.
• DeLone, Richard. «Timbre and Texture in Twentieth-Century Music». Aspects of Twentieth-Century Music. Prentice Hall, 1975.
• Fortune, Nigel et al. «Monody». Grove Music Online. Consultado el 22-10-2022. (requiere suscripción)
• Kliewer, Vernon. «Melody: Linear Aspects of Twentieth-Century Music». Aspects of Twentieth-Century Music. Prentice Hall, 1975.

Véase también

• Análisis musical
• Música del Barroco
• Bajo continuo
• Monofonía
• Armonía
• Melodía
• Unísono
• Textura musical
• Ópera
• Camerata Florentina
• Stile rappresentativo

Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre textura musical.